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Exposition Focus

Véra Molnar

Vera Gács suit une formation de peinture classique à l’École des beaux-arts de Budapest, où elle fréquente Judit Reigl, Simon Hantaï et François Molnar qui deviendra son époux, avant d’obtenir un diplôme de professeur d’histoire de l’art et d’esthétique. En 1947, grâce à une bourse, elle quitte la Hongrie en compagnie de François, et se rend à Rome, puis à Paris où ils s’installeront définitivement. Motivée par un désir de devenir artiste à Paris, l’histoire personnelle de Véra Molnar est également marquée par le souhait de s’éloigner du cadre politique hongrois. En France, elle rencontre Jesús Rafael Soto, Sonia Delaunay et François Morellet et se détourne de la figuration pour s’orienter vers l’abstraction géométrique. En quête d’objectivité et collaborant avec son époux, son travail devient expérimental, fondé sur des recherches scientifiques et sur les lois de la perception. Ensemble, ils participent à la création du CRAV (Centre de recherches d’art visuel, prédécesseur du GRAV) en 1960, avant de quitter le groupe, gênés par l’aspect insuffisamment scientifique des recherches des autres membres.

Exposition Focus

Iba N’Diaye

Lorsque Iba N’Diaye arrive en France en 1948, à 20 ans, il se dirige vers des études d’architecture à l’École régionale des beaux-arts de Montpellier, avant de poursuivre ses études à l’École des beaux-arts de Paris. Parallèlement, il fréquente les ateliers de Montparnasse, comme celui d’Ossip Zadkine, auprès duquel il redécouvre la sculpture traditionnelle africaine. Nourri par les mouvements anticolonialistes et la pensée de Léopold Sédar Senghor et Aimé Césaire sur la Négritude, Iba N’Diaye puise dans la culture européenne une inspiration et une technique – la peinture à l’huile –, tout en conservant une singularité qu’il traduit dans ses œuvres. L’indépendance de son pays précipite son retour au Sénégal en 1959. À l’invitation de Senghor, il participe à la création de la Maison des arts du Sénégal, où il fait en 1962 sa première exposition personnelle et où il enseigne jusqu’en 1966. Au sein du département « Arts plastiques » et contrairement aux enseignements existants basés sur l’instinct, le programme de N’Diaye fait appel à des techniques d’atelier et à l’étude de l’histoire de l’art africain et européen, une « éducation de l’œil indispensable », selon ses propres mots. Si ce souci de connaissances rejoint l’affirmation d’une nouvelle identité africaine, dans la lignée des indépendances, l’enseignement d’Iba N’Diaye est critiqué pour son regard tourné vers l’Occident, à rebours des pensées de Senghor qui s’appuient sur les notions d’identité, de tradition et d’authenticité nationale. En 1966, il participe au premier Festival des arts nègres de Dakar, événement fondateur pour la reconnaissance internationale de la contribution des artistes et écrivains africains aux grands courants de pensée mondiaux.

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Ahmed Cherkaoui

Ahmed Cherkaoui grandit dans une ville du Moyen Atlas marocain avant de poursuivre ses études secondaires à Casablanca. Au moment de l’indépendance du pays, qui se libère du protectorat français en 1956, de nombreux artistes marocains cherchent à s’émanciper d’une tutelle artistique coloniale, en apportant leurs propres codes à la modernité. En 1956, désireux d’approfondir ses connaissances artistiques, Cherkaoui s’installe à Paris et s’inscrit à l’École des métiers d’art dans la section arts graphiques. Diplômé et spécialisé en publicité, il obtient rapidement un emploi de graphiste chez Pathé-Marconi pour réaliser des pochettes de disques au département oriental. Ce n’est pas un hasard si Cherkaoui s’oriente naturellement vers l’illustration. Imprégné d’une double culture – berbère par sa mère et arabo-musulmane du côté de son père –, l’artiste donne au signe et à l’écriture, qui font partie de son quotidien, une importance particulière. Sa maîtrise de la calligraphie lui permettra, durant toute sa carrière, de puiser dans des expériences et des inspirations personnelles. La peinture gestuelle en plein renouveau en France dans l’après-guerre trouve un écho dans la démarche artistique de Cherkaoui qui débute à la fin des années 1950. Sa découverte du travail de Roger Bissière le mène à abandonner la figuration et la peinture de paysage pour se tourner vers l’abstraction. En 1961, une bourse lui permet d’étudier à l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie pendant un an, un séjour décisif pour l’artiste. À son retour, il développe une série d’œuvres utilisant la toile de jute, où le signe domine, rappelant les symboles tissés sur les tapis berbères. De même que Paul Klee avant-guerre, l’introduction de la toile de jute collée permet d’obtenir des œuvres texturées aux formats irréguliers.

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Carlos Cruz-Diez

Carlos Cruz-Diez grandit à Caracas, capitale qui lui inspire ses premières peintures à sujet social réalisées à l’École des beaux-arts. Diplômé, il travaille plus de dix ans comme graphiste et illustrateur pour des magazines puis dans la publicité, poursuivant en parallèle son travail artistique tourné vers l’abstraction. Insatisfait par la peinture qu’il juge « épuisée » (Carlos Cruz-Diez , Réflexion sur la couleur , Paris, Beaux-Arts Éditions, Cruz-Diez Foundation, 2013, p. 18), c’est dans l’étude approfondie de la couleur qu’il trouve le moyen de renouveler son art. S’inspirant aussi bien des théories scientifiques de la perception, des techniques d’impression industrielles que de l’abstraction de Malevitch, Delaunay ou Albers, l’artiste cherche dès les années 1950 à explorer l’instabilité de la couleur, à lui rendre son autonomie au-delà de la forme et de la matière.

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Dado

Miodrag Đurić, dit Dado (surnom donné par sa mère), naît en 1933 à Cetinje au Monténégro. Orphelin de mère à l’âge de onze ans, il gardera un souvenir très douloureux des années de l’occupation du Monténégro par l’Italie, puis par l’Allemagne à partir de 1943. Après-guerre, grâce à une bourse, il étudie à l’Académie des Beaux-Arts de Belgrade, où il suit les cours de Marko Čelebonović, qui l’incite à se rendre à Paris. Quelque temps après, en 1956, il rencontre Jean Dubuffet dans l’atelier de lithographie de Gérard Patris, où il travaille et loge. Celui-ci le présente au galeriste Daniel Cordier, impression-né par ses toiles représentant des bébés. Inspirées par De Chirico, Carrà et les premiers surréalistes, les toiles sont déjà empreintes du réalisme onirique caractéristique de son travail. L’influence de ses origines sur ses tableaux est flagrante dans son obsession pour la représentation de la misère et de la souffrance humaines, thèmes communs à la poésie orale populaire des pays slaves. Il peint avec virtuosité des êtres étranges, mutilés, fasciné par le processus orga-nique de la vie et de la mort, sujet central de son œuvre.  

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Erró

Erró, de son vrai nom Guðmundur Guðmundsson, naît à Ólafsvík en Islande le 19 juillet 1932. Il étudie la gravure, la fresque et la peinture aux Beaux-Arts de Reykjavik (1949-1951), puis à l’Académie d’art d’Oslo (1952). Il apprend la mosaïque à Ravenne, pour reprendre ensuite l’atelier de Fernando Botero à Florence. Sa première exposition personnelle, sous le nom de Ferró, se tient à la galleria Montenapoleone de Milan en 1956.

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Tetsumi Kudo

Né le 23 février 1935 à Osaka, Tetsumi Kudo s’inscrit de 1954 à 1958 à l’École des beaux-arts de Tokyo, mais se détache ensuite d’une abstraction conventionnelle pour réaliser avec des ficelles, des cordes et des tubes montés sur des cadres de bois ou de métal des configurations complexes en forme de toiles d’araignées qui, pour l’artiste, évoquent les réactions en chaîne de la physique nucléaire. Parallèlement, ses happenings le font connaître des critiques qui qualifient ses travaux d’« anti-art ». En mai 1962, établi à Paris pour recevoir la bourse qui l’a ré-compensé à Tokyo, il rencontre ses premiers soutiens et notamment Jean-Jacques Lebel, introducteur des happenings en France. Grâce à lui, Kudo présente en novembre à la galerie Raymond Cordier Philosophy of Impotence , son premier happening parisien. Il y apparaît ficelé et recouvert d’ampoules électriques et de rouleaux de journaux aux formes phalliques, stigmatisant par là une société contemporaine malade de sa dépendance à son environnement maté-riel. Cette dépendance, Kudo l’illustre d’abord à l’aide d’œuvres associant dans des boîtes des organes de communication humaine (bouches, oreilles, yeux) réalisés en plâtre peint et des petits objets quotidiens (matériel de cuisine, poupées, médicaments). Il crée ensuite des installations où figurent des mannequins monstrueux aux têtes difformes et aux membres réduits à des lambeaux de corps. Jusqu’au début des années 1980, de multiples habitacles (cages à oiseaux – où lui-même parfois se représente – vitrines, globes transparents, cocons en ouate plastifiée) illustrent la métamorphose dans laquelle l’espèce humaine est engagée. Elles renferment des moulages en résine d’organes humains (mains, pieds, nez, phallus) et des petits objets symboliques de notre évolution technique (transistors, diodes, fleurs artificielles).

Exposition Focus

Wifredo Lam

Né à Cuba en 1902 d’un père chinois et d’une mère afro-cubaine, Wifredo Lam grandit à la croisée de ces deux cultures. Après une formation de peintre académique à La Havane, il obtient une bourse pour étudier à Madrid. En Espagne, où il s’installe pour près de quinze ans, il expérimente de nouveaux langages picturaux inspirés de Cézanne, Matisse et Picasso. Quand la guerre civile éclate, il combat contre les forces du général Franco, dont l’avancée l’oblige à s’exiler en France dès 1938. Lam arrive à Paris seul et désargenté, mais muni d’une lettre le recommandant à Pablo Picasso. Leur rencontre marque le début d’une amitié durable et d’une fascination mutuelle. À son contact, Lam étudie les arts africains alors en vogue à Paris, instaurant un dialogue intime avec eux dans sa peinture. Picasso le présente à ses amis parisiens, notamment Pierre Loeb, qui lui dédie dès 1939 une exposition. La menace de la guerre le contraint de s’exiler à nouveau, à Marseille, où il passe un hiver en compagnie de surréalistes tentant de fuir l’Europe. Il invente alors les ferments de son univers pictural peuplé de créatures entre humain, animal, végétal et divin. Il embarque avec André Breton pour la Martinique, où ils rencontrent Aimé Césaire, dont la pensée anticoloniale et de la Négritude marque fortement Lam. En 1941, Lam rejoint finalement Cuba. S’il vit ce retour d’abord comme un nouvel exil, l’artiste s’imprègne des symboles et traditions afro-cubains qui nourrissent sa peinture. Depuis New York, Breton l’introduit auprès de Pierre Matisse qui lui consacre une exposition en 1942, puis en 1943 où son tableau La Jungle fait scandale. Il voyage et expose alors entre Europe, États-Unis et Caraïbes, passant notamment à Haïti où il découvre les rites vaudous, et se réinstalle à Paris en 1952, quand est instaurée la dictature militaire à Cuba.