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Exposition Focus

Daniel Spoerri

Daniel Isaac Feinstein est né en 1930 à Galati, en Roumanie, d’une mère suisse et d’un père juif converti au protestantisme. En 1941, son père meurt en déportation et sa mère rapatrie sa famille en Suisse, reprenant le nom de Spoerri. C’est à travers la danse, puis le théâtre que Daniel Spoerri entre dans le monde de l’art, s’installant pour un an à Paris, puis à Berne et à Darmstadt où il devient premier danseur puis metteur en scène. Il s’intéresse alors à la poésie concrète et découvre les écrits de Malevitch et Moholy-Nagy. En 1956, il connaît son premier succès avec la mise en scène à Berne du Désir attrapé par la queue de Picasso. De retour à Paris en 1959, il fonde les éditions MAT (Multiplication d’art transformable) pour produire des multiples à bas coûts avec la collaboration d’artistes proches comme Pol Bury, Soto, Jean Tinguely et en organise l’exposition. C’est en 1960 qu’il réalise ses premiers Tableaux-pièges : des situations d’objets préparés par le hasard, collées avec leur support et redressées au mur. Cette mise en valeur de la poésie du banal le rapproche du groupe des nouveaux réalistes, dont il signe le manifeste en octobre 1960. Le succès européen des expositions des éditions MAT le conduit à co-organiser en Europe les premières expositions cinétiques internationales, notamment avec son ami Tinguely, et à participer aux premières expositions proches du mouvement néo-dada Fluxus en Angleterre et en Allemagne. C’est enfin en transformant à Paris en 1963 une galerie d’art en restaurant dont les tables, non desservies, deviennent à leur tour des « tableaux-pièges » qu’il ouvre sa création à la participation festive des convives, action renouvelée dans les différentes capitales où il est présent durant les années 1960 et 1970 jusqu’à l’ouverture du restaurant Spoerri et de l’Eat Art Gallery à Düsseldorf de 1968 à 1972.

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Hervé Télémaque

Hervé Télémaque est né en 1937 à Port-au-Prince à Haïti. Désireux d’entreprendre une carrière de peintre, il fait ses études à l’Art Students League de New York de 1957 à 1960, où il découvre Arshile Gorky et l’expressionnisme abstrait américain. Quittant New York à cause du racisme ambiant, il arrive à Paris en 1961. Après une année de travail intense dans des conditions matérielles difficiles, il participe à l’exposition « L’art latino-américain à Paris » (1962) et commence à fréquenter les surréalistes, sans adhérer formellement au groupe.

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Victor Vasarely

Győző Vásárhelyi – qui francise ensuite son nom en Victor Vasarely – grandit en Hongrie, dans la période troublée suivant la dissolution de l’Empire austro-hongrois. Il étudie l’économie à Budapest, puis intègre une école d’arts appliqués inspirée du modèle du Bauhaus. Il y découvre le constructivisme, dont il applique le vocabulaire à ses premiers travaux de communication et y rencontre l’artiste Claire Spinner, sa future épouse, avec qui il s’installe à Paris en 1930. Là, il est engagé comme graphiste publicitaire et crée déjà un langage visuel dynamique et percutant. Pendant la guerre, il fait la connaissance de Denise René qui ouvre bientôt sa galerie et lui dédie une première exposition en 1944. En parallèle, il entame un travail de peinture marqué par le cubisme et le surréalisme, qu’il délaisse pour une abstraction géométrique inspirée de la nature et de l’architecture de sa maison qu’il achète à Gordes, village de Provence, en 1948. Il expose ses premières toiles abstraites en 1950 chez Denise René, puis dans les salons, et s’y fait remarquer.

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Maria Helena Vieira da Silva

Née en 1908 dans une famille d’intellectuels aisés de Lisbonne, Maria Helena Vieira da Silva connaît une enfance solitaire nourrie d’art, de lectures, de musique. Elle se forme à la peinture et la sculpture, mais aussi au dessin anatomique à Lisbonne, puis part pour Paris en 1928. Elle s’inscrit à l’atelier d’Antoine Bourdelle de l’Académie de la Grande Chaumière, où elle fait la connaissance du peintre hongrois Árpad Szenes, son futur compagnon. Elle suit plusieurs cours, de Fernand Léger ou Roger Bissière, et explore divers styles et techniques, marquée au-tant par les maîtres siennois que les modernes, de Bonnard à Picasso.

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Zao Wou-Ki

Zao Wou-Ki naît le 1er février 1920 à Pékin. Établi à Shanghai, il s’inscrit dès 15 ans à l’École des beaux-arts de Hangzhou. Il y pratique tout à la fois l’art de la calligraphie et la peinture à l’huile, d’après les œuvres de Paul Cézanne, Henri Matisse et Pablo Picasso qu’il découvre dans des reproductions. La rencontre avec Vadime Elisseeff, attaché culturel à l’Ambassade de France, le décide à venir à Paris en 1948. Il s’inscrit à l’Académie de la Grande Chaumière et expose dès 1949. Cette installation à Paris, « premier geste chirurgical pratiqué sur [sa] propre culture » (Zao Wou-Ki et Françoise Marquet, Autoportrait , Paris, Fayard, 1988, p. 24), l’amène à décider de ne plus pratiquer l’encre de Chine afin de s’exprimer en toute liberté par l’huile et la gravure. En 1950, il se lie d’amitié avec le poète Henri Michaux qui écrit des poèmes inspirés par ses lithographies. Établissant également des contacts étroits avec Maria Helena Vieira da Silva, Sam Francis, Jean-Paul Riopelle, Hans Hartung, Pierre Soulages et Alfred Manessier, il expose à la galerie Pierre puis, à partir de 1957, à la galerie de France.

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Alicia Penalba

Née en 1913 en Argentine, Alicia Penalba grandit en déménageant d’un lieu à un autre, dans les grands espaces d’Argentine et du Chili, suivant le travail de son père. Adolescente, elle quitte un foyer familial oppressant pour étudier la peinture aux Beaux-Arts de Buenos Aires, mais doit interrompre sa formation pendant dix ans, par manque d’argent. Elle continue néanmoins à peindre et commence à exposer. En 1948, une bourse du gouvernement français lui permet de compléter sa formation à Paris. Elle s’y installe définitivement, cherchant autant une nouvelle vie qu’à renouveler son travail artistique. Elle s’initie à la gravure à l’École des beaux-arts, puis à la sculpture auprès de Horacio García Condoy et à partir de 1950 à l’Académie de la Grande Chaumière dans l’atelier d’Ossip Zadkine. Là, elle se lie d’amitié avec une nouvelle génération de sculpteurs, souvent étrangers, comme Marta Colvin, Étienne Hajdú ou François Stahly. Marquée par les sculptures d’Arp, Brancusi, Giacometti et Pevsner, elle abandonne définitivement la peinture et développe un lan-gage sculptural abstrait qu’elle travaille en utilisant la pierre, l’argile, la terre cuite, le plâtre et le bronze dans la solitude de son atelier de Montrouge. À partir de 1952, elle commence ses Totems, des agencements de formes verticales architecturées rappelant tout à la fois des plantes et des constructions ancestrales. Elle les expose à Paris, dans les salons, puis en galeries, et s’impose rapidement comme une figure centrale de la sculpture abstraite.  

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Judit Reigl

Née en 1923, Judit Reigl connaît une jeunesse marquée par une ardente volonté de fuir la dictature stalinienne installée en Hongrie après la Seconde Guerre mondiale. Après sa formation aux Beaux-Arts de Budapest où elle rencontre Simon Hantaï, une bourse lui permet d’effectuer un voyage d’études en Italie de 1946 à 1948. Obligée de rentrer prématurément en Hongrie où son passeport lui est confisqué, elle tente par huit fois de quitter clandestinement le pays. Elle y parvient à la neuvième tentative, en 1950, traversant l’Europe, en partie à pied, jusqu’à Paris où Hantaï l’aide à s’installer. À Paris, elle cherche une liberté artistique devenue impossible en Hongrie ; c’est dans l’automatisme surréaliste qu’elle la trouve dans un premier temps. Par Hantaï, elle rencontre André Breton qui, impressionné, lui dédie une exposition en 1954. Elle y présente ses premières toiles non figuratives, de grandes compositions abstraites faites de gestes automatiques qui la distinguent des préceptes figuratifs du surréalisme, dont elle s’éloigne rapidement. L’écriture, le corps et le mouvement restent au cœur de sa pratique picturale dans les décennies suivantes, alors qu’elle développe une peinture qu’elle définit comme un « automatisme total à fois psychique et physique », expérimentant avec une grande diversité d’outils. Elle est alors associée à la peinture gestuelle de Hantaï ou Mathieu. Elle réalise entre 1958 et 1965 sa série Guano , des toiles laissées au sol de son atelier, à Paris puis à Marcoussis, imbibées de peinture, de traces et des mouvements de l’artiste au travail. Si elle commence à exposer en Allemagne, elle n’est alors plus montrée en France, et il faut attendre 1976 pour que les institutions françaises, dont le musée d’Art moderne de la Ville de Paris, s’intéressent à son travail.

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Joan Mitchell

Issue d’une famille aisée et cultivée de Chicago, Joan Mitchell est élevée dans l’amour de l’art et de la poésie, deux voies qui irriguent tout son parcours. Suivant des cours de peinture dès son enfance, elle est initiée à l’art moderne européen et admire les impressionnistes, Cézanne et Van Gogh. Elle poursuit ses études à l’Art Institute of Chicago, et s’oriente rapidement vers la peinture de paysage. Diplômée, elle s’installe à New York, puis une prestigieuse bourse lui permet de partir pour la France en 1948. Le Paris dont elle rêve depuis l’enfance s’avère « décevant » (Lettre de Joan Mitchell à Joanne Von Blon, 8 février 1949, citée dans Sarah Roberts et Katy Siegel (dir.), Joan Mitchell , San Francisco, San Francisco Museum of Modern Art, New Haven/Londres, Yale University Press, 2020, p. 23), marqué par la guerre. Elle lui préfère le sud du pays, dont la lumière infuse ses toiles. Influencée par le cubisme et Cézanne, ses paysages tendent de plus en plus à l’abstraction des formes, où priment la couleur et la sensation. De retour à New York, elle abandonne définitivement la figuration, prend part à l’essor de l’expressionnisme abstrait new-yorkais, se liant avec Willem de Kooning, Franz Kline et Philip Guston, et expose dans les galeries.