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Collection Sculpture

... Dans le bonheur

En 2009, à l’occasion des Journées européennes du patrimoine, Diadji Diop produit la sculpture monumentale " ... Dans le bonheur ". Un homme, les yeux clos, esquissant un sourire, nage avec grâce et quiétude. Ne sont visibles que certaines parties de son corps, d’un rouge éclatant, émergées de la nature qui l’accueille. L’œuvre engage le spectateur à imaginer les formes enfouies du personnage et à interpréter la couleur inhabituelle de sa peau. Si ce dernier peut faire penser, de prime abord, à ces migrants qui risquent leur vie sur des pirogues pour venir en Europe, la couleur rouge évoque le sang " comme pour mieux rendre apparent l’invisible : ce qui unit les êtres entre eux, par-delà les variantes d’épiderme. Car cet homme, qui ne semble appartenir à aucun groupe, les évoque tous un peu. (...) L’œuvre appelle un monde brassé où la couleur de la peau ne serait plus un facteur de discrimination. À l’heure où les frontières se ferment un peu partout dans le monde, cette sculpture est une invitation au voyage, au rêve et à l’utopie " (Diadji Diop). 

Collection Installation

Trampolin 1 2 3 4 5

L’installation Trampolin 1 2 3 4 5 se compose de cinq trampolines reproduisant en patchwork la carte des Chinatown du monde que l’artiste découvre au fil de ses propres errances. Apparaissent ainsi les plans des quartiers chinois de Paris, Londres, Liverpool, San Francisco et New York. Cette œuvre est née d’une expérience très personnelle. « Dans chaque pays où je vais, précise l’artiste, mon voyage commence par une visite du Chinatown local. C’est une sorte d’habitude. Parfois j’oublie de le faire, mais il arrive que les personnes avec lesquelles je me trouve le remarquent, me rappelant que je suis chinoise. (...) Ainsi, mon installation fait référence aux Chinatown : il s’agit de cinq lits avec des couvertures en coton réalisées à partir d’un patchwork de tissus traditionnels chinois. Les éléments de cette composition sont, en réalité, des cartes des Chinatown des principales villes européennes. Puis j’ai placé ces couvertures sur des matelas gonflables de deux mètres sur deux. Une fois installés dans la salle d’exposition, ils deviennent un jeu pour les enfants qui peuvent sauter dessus. L’exposition est toujours un moment de sociabilité entre adultes, je voudrais inviter les enfants à y participer » (Shen Yuan, in Ovunque andiamo, Wherever we go , catalogue d’exposition, Milano, Spazio Oberdan, Milan, 5 continents Éditions SRL, 2006, p. 277). L'artiste Shen Yuan a étudié la peinture traditionnelle chinoise et participé aux mouvements d’avant-garde des années 1980. En 1990, elle quitte son pays et s’installe à Paris. Son œuvre est intimement liée à son expérience de l’exil et à sa trajectoire d’immigrée chinoise en Europe. La brisure du déracinement, la barrière de la langue, l’épreuve de la perte, mais aussi les enrichissements d’une vie en mouvement sont autant d’éléments constitutifs de sa création et nourrissent une réflexion qui s’ouvre au transculturel. Œuvre présentée dans l'exposition J'ai deux amours (16 novembre 2011 - 24 juin 2012)

Collection Sculpture

Carte de séjour, Mamadou, France, Clandestin

Des bustes taillés dans le bois laissent apparaître à leur revers la surface encrée d’un tampon. En regard, sont exposées les gravures correspondantes. Les tampons et les empreintes Carte de séjour, Mamadou, France, Clandestin , semblent symboliser la souffrance identitaire que porte le migrant, le rejet du pays d’accueil et l’incompréhension entre deux cultures. Entre ces tampons surdimensionnés et leurs impressions, la décision concernant l’avenir du migrant est laissée en suspens et peut se reconstituer uniquement dans l’imaginaire du spectateur. C’est au fil des empreintes, sur les pages d’un passeport fictif, que se retrace et se dessine l’identité complexe des migrants. " Nous sommes tous en “transit” permanent. Qu’un homme soit blanc, noir, jaune, peu importe. Il est de toute façon un être potentiellement “exilé”. Tourner en dérision l’intitulé de ces tampons renforce cette idée que l’identité est parfois régie par cette administration sclérosé e" (Barthélémy Toguo, Entretien réalisé par Arnaud Beigel, in Alexia Fabre, Barthélémy Toguo, artiste en transit, Hommes & Migrations , n° 1261, mai-juin 2006, p.173).   L'artiste Né au Cameroun en 1967, Barthélémy Toguo a découvert la pratique de l’art occidental en Côte-d’Ivoire, à l’Ecole des Beaux-Arts d’Abidjan. Sa formation l’a ensuite conduit aux Beaux-Arts de Grenoble, puis à la Kunst Akademie de Düsseldorf. Ces lieux lui ont permis de découvrir différents media et supports artistiques, dont le bois. Artiste nomade, il vit et travaille entre Paris, Düsseldorf et Bandjoun (Cameroun) : il est de ces artistes à cheval entre l’Afrique, l’Europe et le reste du monde où il expose. Son travail interroge le statut de l’étranger, du migrant, de l’immigré, et sa difficulté à se constituer une identité. Œuvre présentée dans l'exposition J'ai deux amours (16 novembre 2011 - 24 juin 2012)

Collection Installation

Foreigners Everywhere

La série des néons Foreigners Everywhere (Étrangers partout) reprend le nom d’un collectif d’anarchistes de Turin combattant le racisme. Cette tournure énigmatique a spécialement inspiré Claire Fontaine. La locution, traduite sous forme de néons, envahit espaces urbains comme espaces d’exposition, allant à la rencontre de tous, utilisant les codes de la communication et de la consommation pour mieux les critiquer. « Il est clair qu’aujourd’hui l’immigration et l’émigration ne sont plus de simples épiphénomènes liés à l’économie. Ce sont des expériences existentielles et perceptives à part entière. (...) Nous croyons aussi que dans notre travail l’usage de différentes langues n’est pas une coquetterie. Il vient du fait d’être né ailleurs et d’être parti sans raison particulière, si ce n’est celle de ne plus être chez soi. Dans l’usage d’une langue qui n’est pas la sienne se manifestent des contradictions, des rapports de force, des violences, que la langue maternelle noie ou émousse » (« Claire Fontaine interviewée par John Kelsey », nov. 2006, consultable sur www.clairefontaine.ws ). Œuvre présentée dans l'exposition J'ai deux amours (16 novembre 2011 - 24 juin 2012)

Collection Photographie

Go No Go, Les Frontières de l’Europe 1988-2002

À la croisée de l’art et du reportage, Ad van Denderen explore et documente le monde contemporain à travers des projets qui l’ont mené de son pays natal, la Hollande, vers d’autres territoires comme l’Afrique du Sud ou le Moyen-Orient. Durant quatorze ans, Ad van Denderen photographie les frontières de l’espace Schengen et les migrants à la recherche d’une vie meilleure en Europe. Marcher des jours pour traverser la frontière albanaise et rejoindre Athènes, débarquer illégalement sur les côtes espagnoles à Tarifa ou à Punta Paloma, chercher à travailler, survivre clandestinement et surtout attendre dans les rues, les pensions, les camps de réfugiés. Autant d’étapes que le photographe enregistre. Vivant quelques jours ou quelques mois aux côtés de ces migrants, il documente leur quotidien, avec la distance sensible du noir et blanc et un cadrage intimiste. En parallèle des circuits et filières de l’immigration clandestine, il présente les mécanismes inverses de la régulation policière et judiciaire. En 2003, Ad van Denderen publie l’ouvrage Go No Go, Les Frontières de l’Europe . Dans ce photo-essai, il intègre des témoignages des migrants, en transit continuel. Au fil des images prises par Ad van Denderen, s’ébauchent leur quotidien, suspendus dans l’attente et la clandestinité. « J’ai essayé de capter un tant soit peu cette société de l’ombre dans laquelle des gens font tout ce qu’ils peuvent pour survivre, et où la honte, la fierté et la dignité jouent un rôle essentiel. Je voulais donner un visage à ceux qui autrement seraient restés anonymes ». Œuvre présentée dans l'exposition J'ai deux amours (16 novembre 2011 - 24 juin 2011)

Collection Document vidéo

Me (2003-2008)

En 1986, Ghazel quitte l’Iran pour venir étudier en France. " Nomade hybride ", comme elle aime à se qualifier, Ghazel élabore une œuvre protéiforme, interrogée par les notions de déracinement, de nostalgie, d’errance ... Dans Me (2003-2008) , série d’autoportraits vidéo tragico-burlesques, Ghazel se filme dans de courtes séquences, toujours vêtue d’un tchador. Le tissu noir, représentation métonymique de la femme iranienne, devient progressivement un principe graphique liant les différentes saynètes entre elles. Entre humour corrosif et poésie, détournement et transgression, association du texte à l’image, jeu subtil du champ et du hors champ, l’artiste, à travers des gestes comiques, répétitifs, désespérés, explore son identité multiple, son « autre moi ». En « suspension entre deux mondes » – chacun « tenant lieu de référence et de maison » –, Ghazel réinvente son univers. « Je suis une étrangère dans ces deux mondes – l’Occident et l’Iran – et c’est mon monde à moi que je révèle » (Ghazel, « Moi », in Michket Krifa, Regards persans. Iran, une révolution photographique , 2001, Paris Musées). La silhouette de l’artiste devient figure fantomatique, sondant les écrans comme le temps. Œuvre présentée dans l'exposition J'ai deux amours (16 novembre 2011 - 24 juin 2011) Voir aussi : Collection : Urgent de Ghazel

Collection Sculpture

Bukhara (red and white)

Mona Hatoum naît à Beyrouth dans une famille palestinienne. En 1975, alors qu’elle est en visite à Londres, elle se voit dans l’impossibilité de rejoindre son Liban natal et ses proches : la guerre civile vient d’éclater. Dès lors, elle choisit de questionner son statut de femme et d’exilée à travers une œuvre poétique et exigeante où se mêlent menace de la guerre, expérience de l’exil, questionnement identitaire, dépaysement et arrachement. Au milieu des années 1980, l’artiste se fait connaître sur la scène internationale avec ses performances et ses vidéos qui laissent poindre la violence du monde contemporain. Au début des années 1990, Mona Hatoum investit les domaines de l’installation et de la sculpture. Elle s’empare d’objets familiers, domestiques et intimes, qu’elle ne cesse de métamorphoser. Ainsi, Bukhara, tapis persan aux dessins géométriques sur lequel s’inscrit un planisphère, évoque à la fois la maison de son enfance et le nomadisme planétaire. En 1948, lorsque les parents de l’artiste sont contraints, sous la pression israélienne, de quitter leur maison de Haïfa et de s’exiler au Liban, une partie seulement de leur importante collection de tapis est sauvée. Ces tapis rescapés allaient désormais recouvrir les sols de la maison de Beyrouth, lieu de naissance de la plasticienne. Si le tapis Bukhara fait directement référence aux souvenirs de l’artiste et à son enfance, il symbolise également l’univers que le migrant emporte avec lui. Comme un « chez-soi » qu’il tente de recréer dans son exil perpétuel. Sur ce tapis, se trace en creux, par arrachement, un monde comme érodé par les mites ou par un quelconque impact extérieur. Telle une tonsure laissant affleurer la trame, le prélèvement esquisse une mappemonde selon la projection de Peters qui, contrairement à celle de Mercator, respecte les dimensions des continents et redonne sa visibilité au Sud dans de plus justes proportions. Entre construction et déconstruction, ancrage et déracinement, les attaches de chaque nœud de laine, tissées jadis, sont dissoutes : le monde n’est que migration et mouvement. Œuvre présentée dans l'exposition J'ai deux amours (16 novembre 2011 - 24 juin 2011)

Collection Document vidéo

The Mapping Journey Project

Bouchra Khalili est une artiste franco-marocaine dont le travail explore les trajets migratoires contemporains, les zones frontalières et les existences clandestines. Entre 2008 et 2011, Bouchra Khalili s’est consacrée à la réalisation de The Mapping Journey Project , qui se compose de huit vidéos, les Mapping Journey , et de huit sérigraphies, The Constellations . Ces projets visent à « cartographier » dans l’aire méditerranéenne des voyages clandestins, qui épousent ceux de l’artiste, de Marseille à Ramallah, de Bari à Rome, de Barcelone à Istanbul. Le dispositif vidéo des Mapping Journey repose sur un plan fixe d’une grande frontalité où se révèle une "contre-géographie" fondée sur la parole et le geste. En faisant le réçit de leur voyage et en le dessinant, des migrants confrontent leur parcours singulier à la normativité des cartes, révélant ainsi une autre cartographie, souterraine et invisible, qu’esquissent les trajectoires migratoires contemporaines. La série The Constellations intervient comme l’ultime chapitre de ce travail qui s’est déroulé sur trois années, cinq pays, six villes, huit récits. Les sérigraphies traduisent chaque dessin sous forme de constellation d’étoiles, réactualisant ainsi la typologie des cartes du ciel. " Ce sont d’abord les navigateurs, les marins, qui ont eu recours à cette cartographie céleste imaginaire pour se repérer dans un espace littéralement sans point de repère : la mer ", explique l’artiste. En opérant ce déplacement, Bouchra Khalili efface les frontières au profit du seul trajet : une constellation nomade. La dimension poétique du projet se révèle ici dans sa globalité: les dessins, qui sont aussi témoignages, traces, gestes d’écriture, se muent en étoiles... en une constellation de trajectoires et d’existences.